TRAVIS, 03/09/2020

Hoy finaliza la campaña electoral a la presidencia de Estados Unidos, el país que celebra las campañas electorales más largas y caras del mundo, pero, posiblemente también, las menos tediosas debido al elevado grado de falsedad, teatralidad y sobreactuación que conllevan. Todo ello me ha dado la idea de dedicar estas dos entradas a la visión que el cine nos ofrece de los presidentes norteamericanos. Esta primera parte estará dedicada a los presidentes ficticios que hemos visto en películas, y ya en la segunda hablaremos de los reales, seguramente más inverosímiles que algunos personajes de este post, aunque hayan sido paridos por la mente de algún guionista más o menos brillante.

Puesto que he comenzado hablando de campañas electorales, la película de Mike Nichols Primary Colors (1998) fue una de las que mejor contó ese complejo y ordenado caos que es un equipo de partido en plena campaña electoral. El candidato a presidente estaba basado en Bill Clinton y fue interpretado de manera soberbia por John Travolta, que imitó muchos de sus gestos y miradas. El personaje fue suavizado respecto al de la novela en que se basaba, escrita por un periodista del Washington Post y que tuvo que ser publicada bajo seudónimo. Las infidelidades del candidato eran tapadas por su equipo y aparentemente ignoradas por su mujer, Emma Thompson en el filme. La doble moral o la falsedad de los candidatos son claves para el éxito de la campaña, y de ahí que El candidato interpretado por Robert Redford en la película de 1972, un abogado idealista, comprometido y sincero que no se calla lo que siente, que es honesto, sea un personaje que en principio jamás podría llegar a presidente. No al menos con sus principios, puesto que a medida que avanza la película comienza a obtener popularidad por su honestidad, hasta que «el sistema» se apropia de su discurso para pervertirlo y llevarlo de nuevo por el camino «correcto» que le marcan, es decir, apartado de sus propias convicciones.

Otra película relacionada con el mujeriego Bill Clinton es La cortina de humo, de 1997, en la que los asesores presidenciales inventan una guerra en los medios (¡contra Albania!) para tapar un escándalo sexual del presidente, cuyo nombre no se menciona. El guion es de David Mamet y parece sospechosamente cercano a la realidad. Durante la declaración de Mónica Lewinsky en el proceso de impeachment a Bill Clinton, aumentaron los bombardeos norteamericanos sobre Sudán y Afganistán. Los líos de alcoba del presidente de Estados Unidos dan bastante juego, como se vio en Love Actually (2003), la película de Richard Curtis en la que el flirteo del presidente norteamericano (Billy Bob Thornton) con la asistente del Primer Ministro británico (Hugh Grant) supone un cambio de actitud de este con respecto a su aliado. De lío de faldas a cambio de política exterior, así de simple.

La situación sentimental del denominado POTUS es la base de la película El presidente y Miss Wade (1995), una comedia romántica simplona para mi gusto, pero que se aguanta bien. Es la ventaja de contar con el guion de Aaron Sorkin (El ala Oeste de la Casa Blanca) y la dirección de Rob Reiner (La princesa prometida, Cuando Harry encontró a Sally, Misery). Michael Douglas pone el rostro al presidente Andrew Shepherd y se muestra muy comedido, sobre todo si recordamos que en sus anteriores películas había dado rienda suelta a sus instintos más primarios, o presidenciales (Instinto básico, Atracción fatal, Acoso). La aspirante a primera dama es la (siempre) estupenda Annette Bening, la mujer que logró que Warren Beatty sentara la cabeza.

Otra estupenda primera dama es la que interpreta Sigourney Weaver en Dave, presidente por un día, de 1993. El doble del presidente es el modesto dueño de un taller, Kevin Kline, al que le encargan que supla o que haga las funciones del verdadero presidente, que ha sufrido un accidente y está en coma. Para mí lo mejor de esta simpática película está en el momento en que el contable del modesto empresario comienza a analizar el presupuesto del gobierno y se da cuenta de la lamentable gestión que se realiza con el dinero público. Llega a la conclusión a la que llegamos todos: si yo gestionara el presupuesto de mi empresa de ese modo, estaría automáticamente despedido.

Y de primeras damas respetables a una deleznable, la que interpreta Glenn Close en Mars Attacks, la «tontá» de Tim Burton rodada en 1996. Creo que el director la soporta tan poco como yo, así que acaba bien sepultada bajo una pesada lámpara. Peor parado acaba su marido, el presidente Dale, un papel histriónico más en la carrera de Jack Nicholson. Su discurso buenista al líder marciano me recuerda a algunas bienintencionadas proclamas de líderes mundiales que acaban… bueno, como el líder norteamericano:

Se ve que colocar al “hombre más poderoso del mundo” en una situación de debilidad o inferioridad tiene su morbo, o su gracia. Muchas de estas películas nos muestran al POTUS como un tipo no muy inteligente, algo torpón, un pelele en manos de ese círculo de asesores que le rodean y le llevan de aquí para allá, o le tapan sus vergüenzas, porque en muchas de estas tramas nos lo pintan como un tipo sin escrúpulos. Es el caso de Poder absoluto (1997), la película de Clint Eastwood en la que este, un ladrón de guante blanco, presencia un asesinato cometido por los guardaespaldas del propio presidente (Gene Hackman) mientras este se trajinaba a la mujer de su mejor amigo, el típico magnate millonario americano.

En la línea de fuego, dirigida por Wolfgang Petersen en 1993 y también protagonizada por Eastwood, nos muestra al bueno de Clint como un antiguo guardaespaldas de Kennedy, un tipo que sigue trabajando para proteger la seguridad del presidente. Es un individuo con principios, tantos que no le importó dar una paliza a su anterior “protegido”, un senador bien posicionado, otro de esos tipos que piensa que el “poder absoluto” de su cargo le permite hacer de todo a una mujer. Un paso más allá va Peligro inminente, de 1994, en la que el agente de la CIA Jack Ryan (Harrison Ford) descubre que el presidente de Estados Unidos está implicado en una operación al margen del Congreso entre narcos colombianos.

Pero no todos los presidentes USA son mujeriegos, corruptos o imbéciles según la versión de Hollywood. La mayoría intenta salvar el mundo, ejercer ese papel de guardianes de la humanidad que se autoconfirieron no sé bien cuándo. Aunque en ocasiones resulten patéticos, como Peter Sellers haciendo de US President llamando al presidente ruso para decirle que, ejem,… están atacando su país por error y un B-52 le va a soltar unos pepinos atómicos si no consiguen frenarlo antes. Ocurre en ¿Teléfono rojo?: volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb en el original, 1964):

Gran película de Stanley Kubrick, enorme Peter Sellers interpretando tres papeles completamente diferentes. En mi imaginario el presidente norteamericano debería ser un tipo como Morgan Freeman, alguien que transmitiera sensatez y credibilidad aunque un meteorito estuviera a punto de estrellarse contra la Tierra. Deep Impact, 1998. Un actor negro interpretando a un presidente negro mucho antes de que un afroamericano (como se dice ahora) lo hiciera. Freeman resultó tan adecuado para el puesto que en Objetivo: la Casa Blanca (2013) pasó a ser el portavoz de un gobierno presidido por Aaron Eckhart.

Y ya que menciono los meteoritos, ningún discurso tan ¿estremecedor?, ¿descacharrante?, como el del presidente norteamericano en Armageddon (1998), auténtica «obra maestra» del cine palomitero. «Nos enfrentamos al más grave de los desafíos de la Historia», pero gracias al Ejército y a los trillones de dólares invertidos en armamento nuclear podremos vencerlo. En realidad lo dice de una manera algo más sutil. Imprescindible:

Todo el patrioterismo barato de Michael Bay se queda en nada ante dos películas dirigidas (o perpetradas) por directores alemanes:

• Independence Day, de Roland Emmerich, 1996. Como antiguo héroe de guerra en el Golfo, el presidente Whitmore (Bill Pullman) se pone a los mandos de un caza para combatir a los alienígneas, yujuuuu!!!
• Air Force One, de Wolfgang Petersen, 1997. El presidente Marshall (ya el nombre es una declaración de principios) se enfrenta a un grupo de mercenarios que han secuestrado el avión presidencial, y él solito los derrota. Es lo que tiene ser Harrison Ford y haber tenido un pasado como Han Solo e Indiana Jones. Mala, mala, mala.

Argumentos tan absurdos como la idea de detener una invasión extraterrestre con un virus informático, pero una vez que nos ponemos, ¡nos lo creemos todo! Como que todos los presidentes de Estados Unidos desde George Washington comparten un libro de secretos que se pasan de mano en mano al acabar su mandato. Eso nos contaban en La búsqueda 2: El diario secreto (2007), tan poco verosímil como que Nicholas Cage se cuele en una fiesta y burle todos los controles de seguridad para quedarse a solas con el presidente. Si es que este chico,,, en cuanto desorbita un poco los ojos consigue lo que quiere.

En fin, con todas estas bobadas de guionistas al final se termina cayendo en la parodia, y ya que lo hacemos, hagámoslo con el más grande: Leslie Nielsen. Presidente por la gracia de Scary Movie, que en la cuarta nos regaló esta… indefinible escena:

Parece difícil de mejorar, perdón, de empeorar. Pero la realidad supera la ficción. Lo dejaré para la segunda parte.

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TRAVIS, 29/08/2020

La simetría en los planos de Kubrick, las virguerías de Fincher, la cámara fija y en el punto exacto de John Ford, el montaje frenético de Scorsese y la ruptura de la cuarta pared, los planos picados de Wes Anderson, los largos diálogos caminando por Nueva York de Woody Allen,… Son muchos los directores que han conseguido conjugar un estilo propio que sus aficionados encuentran (y demandan) en todas sus películas.

Y hay otros directores que logran crear una complicidad con su público, la llevan un poco más allá y plasman sus bromas o supersticiones en la gran pantalla en todas sus películas. Son lo que se suele llamar «guiños» al espectador, pequeños gags que pueden despistar la atención sobre la acción, pero que logran una sonrisa en esos aficionados cada vez que lo descubren, como si pensaran: «ahí está, lo ha hecho para nosotros».

Me refiero, por ejemplo, a las apariciones de Alfred Hitchcock en casi todas sus películas. En el estupendo libro de François Truffaut El cine según Hitchcock, el director británico explica que en su primera película, The Lodger (1927), salió en pantalla porque hacía falta un figurante para rellenar la escena. Fue algo «estrictamente utilitario, había que amueblar la pantalla. Más tarde se convirtió en una superstición y luego en un gag. Pero ahora es un gag bastante embarazoso y para permitir que la gente vea el film con tranquilidad, tengo cuidado de mostrarme ostensiblemente durante los cinco primeros minutos». Así ocurre en la mayoría de las películas, en las que aprovechaba los planos iniciales en los que se presentaba la ciudad, el escenario, para hacer su aparición: saliendo de la tienda de mascotas en Los pájaros, perdiendo el autobús en Con la muerte en los talones, o cruzando la calle en Vértigo o Yo confieso.

Alfred Hitchcock makes a cameo appearance in the film Stage Fright (1950). He looks back at Eve Gill (Jane Wyman). HITCHCOCK – THE 37 CAMEOS The newly released ‘Hitchcock’ film reveals many of the personal motivations behind legendary director Alfred Hitchcock’s psychological thrillers. But there was also a humorous side to the movie maker acknowledged as the ‘Master of Suspense’ – most especially his penchant for mischievous silent cameo appearances in his own films. Few other directors have broken the fourth wall with such regularity as Hitchcock, appearing in 37 of his 52 surviving major films and enhancing his huge cult following via those fleeting glimpses. Itself directed by Sacha Gervasi, ‘Hitchcock’ explores the relationship of the eponymous movie maker with wife Alma Reville, played by Sir Anthony Hopkins and Dame Helen Mirren respectively, leading up to the seminal, slasher horror ‘Psycho’ in 1960. In ‘Psycho’, Hitchcock walks past the office window of shower scene victim Marion Crane, played by Janet Leigh – who herself is portrayed by Scarlett Johansson in the current biopic. He is wearing a large cowboy hat and is not influencing the plot in any way – in stark contrast to Notorious’ (1946) where his convivial champagne quaffing prompts a cellar visit and the discovery of the plot’s ‘Macguffin’ radioactive material in wine bottles. Born and raised in London’s East End, Hitchcock, made his ‘debut’ cameo appearance in the silent flick ‘The Lodger: A Story of the London Fog’ (1927), as a journalist in the very first few seconds of his third film. Subsequently, he performed a plethora of extra walk-on parts. As a noir profiled silhouette in his final one ‘Family Plot’ (1976). In a class reunion photo in ‘Dial M For Murder’ (1954) Even, in a newspaper ad photo for "Reduco Obesity Slayer" (in 1944’s Lifeboat). Thematically, buses came along (though not all at the same time). ‘Number 17’ (1932). ‘North By North West’ (19

El problema, ciertamente, es que esa aparición, y sobre todo el hecho de que el espectador se pasara el metraje buscándolo, no solo despistaba al espectador de la trama, sino que además le hacía consciente de que estaba ante una película en la que todo es impostado, medido al milímetro. Y si el filme buscaba el suspense, este juego no podía aparecer nunca en los momentos importantes de la película. En Náufragos, cuya intriga se desarrolla en un bote salvavidas entre ocho personajes, se las arregló para aparecer como un anuncio de un periódico haciendo una broma sobre su gordura, lo cual restaba tensión a la situación. En Crimen perfecto apareció de modo disimulado en una foto de grupo, y por culpa de estas cosas, o debido al conocimiento de las mismas, me pasé todo el metraje de La soga buscando la rechoncha figura del director en las fotos de las paredes del único escenario en el que se desarrolla toda la trama en lugar de disfrutar de los afilados diálogos, ¡porque no aparece en ningún momento! Porque al contrario de lo que la mayoría de la gente cree, Hitchcock no salió en todas sus películas, «solo» en 39 de las 51 que dirigió. Aquí dejo un enlace con las escenas, por si alguien tiene interés en recordarlas o en localizar estos cameos la próxima vez.

A lo largo de la historia del cine han sido numerosos directores los que han hecho este tipo de cameos en sus películas: Sydney Pollack, M. Night Shyamalan, Quentin Tarantino, Martin Scorsese y su papel enfermizo en Taxi driver,… Y luego hay otros que han «colocado» su fetiche en todas sus películas, como Sam Raimi con el Oldsmobile Delta 88 modelo de 1973, el coche que le regaló su padre cuando el director empezaba a conducir. Para su primera película, Posesión infernal, uno de esos divertidos filmes de horror, bajo presupuesto y muchas ganas, necesitaba un coche y puso el suyo a disposición, algo que ha repetido a lo largo de toda su carrera. Es el coche del protagonista de El ejército de las tinieblas, el del Tío Ben de Spiderman, y un figurante de lujo en Darkman, Premonición y Un plan sencillo.

Y luego existen otros directores que tienen todo lo mencionado y veinte guiños más al espectador, como ese cinéfago llamado Quentin Tarantino. Tiene su estilo propio de fucks y todos sus derivados, violencia divertida, planos oblicuos, bandas sonoras perfectamente engarzadas con la historia, homenajes a clásicos y algo más que cameos del propio director. Entre los planos favoritos que nunca faltan en sus películas hay dos que forman parte de su estilo particular:

• Los pies. Femeninos, por supuesto. Como sabe ya todo aficionado, Quentin Tarantino es un auténtico fetichista de los pies (v. Pulp Fiction cumple un cuarto de siglo).
• El plano del maletero. Desde dentro del maletero, quiero decir. No me extrañaría que en cada casting Tarantino preguntara a los actores si estaban dispuestos a pasar un rato en el maletero de un coche.

A veces creo que intenta meter demasiadas cosas en sus películas, sin plantearse meterle un tijeretazo a sus particulares frikadas dirigidas al espectador más avezado. Tarantino ha logrado crear un universo propio en el que sus personajes están conectados (Vincent Vega de Pulp Fiction y el señor Rubio de Reservoir dogs, las chicas del Grupo Bella Fuerza Cinco con las protagonistas de Kill Bill, la tumba de Kill Bill con el doctor Schulz de Django,…) y en el que consumen los mismos productos, como las hamburguesas Big Kahuna y los cigarrillos Red Apple, marcas inexistentes por supuesto.

En España tenemos a uno de nuestros más grandes directores con el famoso gag que nunca falta en sus películas: Don Luis García Berlanga y el Imperio Austro-húngaro. Don Luis era muy distinto a Tarantino, pero tenía también su estilo propio de rodar, la voz en off a la manera de Frank Capra cuando hacía falta, el alboroto constante de personajes, su fijación por los culos (exclusivamente de mujeres, «algo muy serio a lo que no se le da su justa importancia en el mundo») y las miserias de unos personajes que solo intentan solucionar su problema o satisfacer su obsesión (colección de vellos púbicos femeninos incluida) del modo más rápido posible. «Tengo una gran sensibilidad femenina, por eso me defino siempre como homosexual-lésbico». Y por supuesto que no falte la mención al Imperio Austro-húngaro.

El director comentó hace años que había metido esa referencia en sus dos primeras películas (Esa pareja feliz y ¡Bienvenido, Mister Marshall!) sin darse cuenta, y habrá que creerle, y que como no le fue mal, siguió haciéndolo de manera supersticiosa hasta que se convirtió en un juego de complicidad con el espectador.

¿Y a qué ha venido contar hoy todas estas historias de todos estos directores? Pues a que por fin, después de varios meses de confinamientos y cierres de todo, voy a reencontrarme con la magia de la sala oscura del cine. El director que me va a hacer volver a las salas es Christopher Nolan y su esperadísima película Tenet.

Y la obsesión que ha mostrado el director a lo largo de toda su filmografía es el tiempo, que lo retuerce (Origen), lo desordena (Memento, Insomnia), lo pliega sobre sí mismo (Interstellar), juega con él en diferentes planos (Dunkerque),… No he querido leer mucho sobre Tenet, pero al parecer el tiempo es fundamental en la historia. El propio título es un palíndromo, como el tiempo circular de Hannah en La llegada, otro palíndromo en una historia en la que se confunden pasado, presente y futuro, como Otto y Ana, Los amantes del Círculo Polar de Julio Medem. El tiempo que no es lineal, sino circular, representado en la esfera de reloj que se funde y confunde con el universo de ese relojero llamado Jon Osterman antes de ser el Doctor Manhattan (Watchmen). Tiene muy buena pinta, no sé si iré a verla hoy, mañana o realmente fui ayer.

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Me aprovecharé del mítico logo de la Paramount tuneado con motivo de los 100 años de cine para mi aniversario particular. 100 artículos ya con este y mis (magníficos, intrigantes, retorcidos, espeluznantes) guiones del cajón siguen sin encontrar un productor que descubra en ellos el talento que ni mis familiares ni amigos hallan en ellos. Culpa, sin duda, de la falta de talento de mis familiares y amigos, jamás de mi afilada pluma.

El que haya seguido mis textos sobre cine habrá encontrado en mí un espectador más disfrutón que crítico, alguien que trata de pasar un buen rato sin buscar más pegas de las necesarias a lo que vemos en pantalla, pero sobre todo habrá encontrado a alguien apasionado por las historias, por lo que cuentan por encima de cómo está contado. Lo cual no quita para que me deje maravillar por numerosos planos y secuencias espectaculares. Uno de mis primeros artículos, No hagan trampas, señores, iba dedicado a los guionistas y a los directores que pervertían esos guiones para colarnos un gol en toda regla, algo que se me antoja inadmisible como espectador. El post sobre Forrest Gump y Benjamin Button trataba de reflejar cómo un mismo guionista puede hacer que se asemejen tanto dos historias con una premisa de partida bien diferente.

• 1. Gravity.
• 2 Armageddon.
• 3. Forrest Button y Benjamin Gump.
• 4. El Padrino.
• 5. El club de la lucha.
• 6. #Chef y la cocina en pantalla.
• 7. No hagan trampas, señores.
• 8. Lester Burnham no es el mejor ejemplo a seguir.
• 9. Manhattan.
• 10. El celuloide oculto en el armario.

Cuando empecé a escribir críticas de películas me encontré con una dificultad añadida, o con varias, según vi por algunos comentarios de amigos o por los que me dejaban en el propio blog:

– Si hablaba sobre una película reciente, los estrenos y las críticas siempre me ganaban porque todos los medios, blogs, webs, etc. ya habían emitido su opinión.

– Si contaba mucho porque contaba mucho y la chafaba al lector.

– Si contaba poco, que por qué me quedaba tan corto con lo que a mí me gusta destripar una peli y encontrar una comparación con otras.

Así que la mayoría de las veces me dedicaba a hablar de películas que todo el mundo hubiera visto, clásicos y no necesariamente clásicos.

• 11. Truños interestelares.
• 12. Trash, ladrones de esperanza.
• 13. Blade Runner y las lágrimas en la lluvia.
• 14. ¡Qué bello es vivir!
• 15. Taxi driver.
• 16. Birdman.
• 17. La teoría del todo y The imitation game.
• 18. Esas comedias francesas.
• 19. Españoles por el mundo perdiendo el Norte.
• 20. Cadena perpetua.

El guionista frustrado (no, frustrado no, dejémoslo en tardío) comenzaba a aflorar y a imaginar segundas partes alternativas para grandes éxitos. Denis Villeneuve tiró por otra línea argumental para la segunda parte de Blade Runner, pero ahí queda mi idea. Al menos habría sido más divertida.

• 21. Segundas partes que nunca se rodarán (I). Alternativas a Pretty Woman y Se7en.
• 22. Segundas partes que nunca se rodarán (II). Otra proposición indecente.
• 23. Segundas partes que nunca se rodarán (III). Blade Runner returns.
• 24. Todo sobre mi madre.
• 25. El Francotirador.
• 26. Carta de amor de un cinéfago desenfrenado y desentrenado.
• 27. Lágrimas en la lluvia.
• 28. Terminator: Génesis…
• 29. Terminator…y Apocalipsis.
• 30. Everest.

Con la recuperación de la saga Star Wars en El despertar de la Fuerza aproveché para escribir varios artículos sobre esas películas de las que he sido siempre un seguidor (con su momento de debilidad en la Fuerza tras las precuelas). Y otro tema que empezó a colarse de manera recurrente en este blog: los Óscar, esos premios que nunca nos dejan satisfechos porque no han ganado «los nuestros».

• 31. Marte (The Martian).
• 32. El día de esa bestia.
• 33. Star Wars, Ep. IV a VI.
• 34. Star Wars, Ep. I a III.
• 35. El despertar de la Fuerza. Jedis, hobbits y otras historias.
• 36. Los Óscar (I): ya tocaba.
• 37. Los Óscar (II): es lo que toca.
• 38. Los Óscar (y III): los que me tocan.
• 39. Batman, Superman y otros tipos en mallas.
• 40. Currículums de película.

Con el tiempo descubrí que lo que más me gustaba era encontrar temas que abarcaran varias películas, de distintos géneros, épocas y nacionalidades, como los dedicados al suicidio, a los niños estrangulables o a esos bodrios de los ochenta que algunos mitificaron en exceso.

• 41. Amanece, que no es poco.
• 42. Niños exterminables.
• 43. De suicidios y escritores malditos.
• 44. Inútil. Guion para un cortometraje.
• 45. De suicidios, sacrificios e inmolaciones.
• 46. Especial USA (III): el New York real.
• 47. Especial USA (y IV): el New York imaginado.
• 48. Happy birthday, Mr. Kirk Douglas!
• 49. Rogue One y el nacimiento de la princesa Leia.
• 50. Tostones ochenteros.

Hacia la mitad de estos cien artículos me encuentro con el primer post dedicado a esa afición tan de moda de censurar lo que no nos gusta, de pretender que con la ocultación o prohibición algo va a desaparecer. Nada más absurdo para mí y mucho más si hablamos de cine, y sin embargo esta corriente ha crecido de manera imparable (manda huevos). El cine es diversión, esparcimiento, otra realidad, y nos lo quieren capar, acotar, cercenar, limitar… un coñazo. Los títulos letales, el homenaje a los taxistas o las frases míticas para usar en la oficina son precisamente lo contrario: evasión hacia otro lugar.

• 51. La la la porra de los Óscar 2017.
• 52. El guardián invisible y los guardianes (visibles) de la moral.
• 53. Escenas de cine «semanasantero» que no son las que esperabas encontrar.
• 54. Taxistas, esos incomprendidos cabroncetes en vías de extinción.
• 55. Título letal.
• 56. My favourite driver.
• 57. Frases de cine para usar en el trabajo (I).
• 58. Frases de cine para usar en el trabajo (II).
• 59. La tristeza de Murakami.
• 60. Libros de atrezzo.

El caso es que esa corriente imparable se disparó tras los Óscar de 2018 y el discurso de Frances McDormand sobre la imposición Rider (aunque creo que la actriz la denominó «inclusión»). El guionista latente que hay en mí trató de imaginar Reservoir dogs o Doce hombre sin piedad con esos parámetros. Imposible, cine del bueno que se iría al garete. Woody Allen y Kevin Spacey fueron víctimas de una corriente censora de otra índole a la que la ausencia de pruebas no le iba a frenar sus ímpetus. Puse su caso en comparación con el de Roman Polanski, muy diferente, en lo que fue la primera colaboración externa de este bloguero.

• 61. Una furgoneta del siglo XIII.
• 62. Star Wars, Ep. VIII: Los últimos Jedi.
• 63. La magia de la sala oscura (I).
• 64. La magia de la sala oscura (II).
• 65. El tipo duro y el asfódelo.
• 66. Reservoir Rider Dogs.
• 67. Woody, Roman y Kevin. Un diálogo con la bloguera Móni.
• 68. Un japo en Cannes.
• 69. Si los futbolistas fueran actores. Mundial de Rusia 2018.
• 70. Disaster movies.

Roman Polanski

Con el amiguete Barney comencé a preparar una serie de artículos que se publicaron en La Galerna, ese medio capaz de unir el fútbol con la música, la literatura o el cine de calidad. Y aunque lo que más me atraiga sean los guiones y las buenas historias, quise dejar mi homenaje a los que ponen rostro a esas tramas, a los actores, los buenos, los malos, los protagonistas y esos excepcionales secundarios que merecerían una historia para ellos solos (spin-off, que está todo inventado).

• 71. Solo, otra historia de Star Wars.
• 72. Los actores (I): la veracidad.
• 73. Los actores (II): el ganado.
• 74. Groucho inmortal.
• 75. A (bored) man in the moon.
• 76. El conflicto del secundario.
• 77. Freddie Mercury y Lady Gaga. Colaboración con Barney en La Galerna.
• 78. Roma.
• 79. En defensa del cine español.
• 80. El futuro ya está aquí.

Prohibir Verano Azul, el tabaco, los tacos, libros y películas que no sean suficientemente inclusivas o diversas racial y sexualmente… qué pereza, de verdad. Es cine. «Cine, cine, cine, más cine, por favor», como decía Aute, «que todo en la vida es cine y los sueños, cine son». Pero recuerdo que la canción también hablaba de censura.

En estos diez artículos me di un paseo por el cine ruso, otro por algunos de los clásicos de final de siglo y una visita a una de mis películas favoritas de siempre: La gran evasión.

• 81. Heroínas.
• 82. Veinte años de Matrix. Colaboración con Barney en La Galerna sobre 1999.
• 83. A favor del doblaje.
• 84. Pulp Fiction cumple un cuarto de siglo. Colaboración con Barney en La Galerna sobre 1994.
• 85. El cine ruso y los rusos en el cine.
• 86. Prohibamos Verano Azul.
• 87. La gran evasión.
• 88. Solaris.
• 89. Richard Curtis y la delgada línea del buenismo.
• 90. Érase una vez… un cinéfago llamado Quentin.

En estos últimos artículos tuve un poco de todo: Scorsese en plena forma, más Óscar y más Star Wars, mis caprichos guionizados y mezclados, y una colaboración muy satisfactoria para el que esto escribe sobre el modo de disfrutar de las historias, ya sea en pantalla o en papel con una interlocutora perfecta para ello.

• 91. Bendito Scorsese.
• 92. El irlandés.
• 93. Star Wars, Ep. IX: El ascenso (y caída) de Skywalker.
• 94. Mucho mejor la peli (I). Colaboración con Reggie sobre cine y literatura.
• 95. Mucho mejor la peli (II).
• 96. La porra de los Óscar 2020.
• 97. Ensayos de un futuro distópico.
• 98. Mi cita anual con Ben-Hur.
• 99. La película de las pelis del desván.

Se trata de disfrutar de una buena historia y aquí me quedan muchas por contar. ¡Espero seguir contando con vosotros, amigos!

TRAVIS, 31/05/2020

Como la mayoría de vosotros, he dedicado parte de la cuarentena a ordenar cajones, armarios y a tirar muchas, muchas cosas que estaban ahí, al fondo de un cajón o en una estantería desde hacía décadas sin que nadie las mirara. Ese remedo de síndrome de Diógenes que quien más, quien menos, padecemos con un cierto grado. Aparecieron fotos antiguas, análisis médicos, radiografías, papeles con esbozos de guiones o ideas que quizás acaben convertidas en un nuevo post. Y aparecieron muchas cintas de música, cassettes de las antiguas repletas de amor de quien las grabó (o eso contaba Nick Hornby en Alta fidelidad) y decenas de películas en VHS, muchas grabadas directamente de la tele, y muchas otras originales, compradas en aquellos tiempos en que coleccionábamos música, películas o libros. Por estética, por afán acaparador o porque nos parecía imposible que todas esas películas, libros y música pudieran encajar hoy en día en un pendrive del tamaño de un dedo o estuvieran accesibles en una nube.

No tengo muy claro qué hacer con varias de esas «pelis del desván»: tirarlas, lucirlas en una estantería o regalarlas (¿quién iba a querer algo que solo puede verse con una tecnología obsoleta?), pero mientras lo pienso voy a utilizarlas para crear «la película de todas esas pelis del desván», para tratar de inventar una historia imaginaria que uniera todas ellas. Algo así como el universo paralelo que se ha creado Quentin Tarantino en el que encajan o se conectan todas sus películas:

• La serie sobre el grupo Bella Fuerza Cinco de la que habla Mia Wallace en Pulp Fiction son las chicas de Kill Bill.
• El señor Rubio de Reservoir dogs (Michael Madsen) es hermano del Vincent Vega de Pulp fiction.
• La tumba junto a la que aparece Uma Thurman en Kill Bill cuando logra desenterrarse lleva el nombre de Paula Schultz (1823-1898), luego podría ser la mujer del Doctor Schultz de Django unchained.
• Pete Hicox en Los odiosos ocho (Tim Roth) es el tatarabuelo de Archibald Hicox (Michael Fassbender), el militar aficionado al cine de Malditos bastardos.

Y muchas más conexiones familiares o de productos, como los cigarrillos Red Apple o las hamburguesas Big Kahuna, que dejo en este enlace para los más aficionados. Como si de un juego se tratara, me pregunto: ¿existe algún tipo de conexión entre las películas del desván? O por volver a mi infancia y a aquellos programas dobles, como cuando fui a ver Papillón y El coloso en llamas de una tacada y jugaba a imaginar que Steve McQueen se convertía en jefe de bomberos en San Francisco tras escapar de la Isla del Diablo, ¿seré capaz de enlazar estas historias que van desde la Guerra de Secesión norteamericana hasta mediados de los noventa?

Para ello no me queda otra que utilizar una estructura de episodios como la del mencionado Quentin Tarantino en Pulp Fiction. Vamos allá, a ver qué sale:

Prólogo: Frank, Craig y Richard

La historia trata acerca de tres soldados norteamericanos que coincidieron durante la Segunda Guerra Mundial, primero en el frente del norte de África, bajo las órdenes del general Patton, y posteriormente en la entrada en el frente europeo a través del sur de Italia. Craig es un joven soldado que irrumpe en el campo de concentración cercano a Arezzo en el que los alemanes arrasan todo lo que pueden en una última noche de locura antes de la rendición. Para sorpresa de Craig, en mitad del patio se encuentra a un niño de seis años celebrando la llegada del tanque, un niño llamado Giosué Orefice (La vida es bella).

El reloj de plata

Craig luce un reloj que ganó en una partida de póker jugada en el campamento aliado de Túnez. Tuvo más habilidad que un incauto y algo alcoholizado inglés llamado Geoffrey Clifton, que le contó no sé qué historia acerca de los cuernos que le acababa de poner su mujer (Kristin Scott Thomas) con un conde húngaro, un cartógrafo llamado Laszlo Almásy (El paciente inglés). El reloj arrastraba una historia curiosa, había cambiado varias veces de mano, no de recto. Al parecer había pertenecido a Tristan Ludlow, el segundo de los tres hijos del coronel Ludlow. Tristan (Brad Pitt en Leyendas de pasión) le contó que ese reloj fue un regalo que le hicieron inicialmente a su hermano pequeño, Samuel, el cual perdió la vida en la Primera Guerra Mundial en el frente europeo, tras una carga desesperada. Pese a lo suicida de la misión, los soldados no quisieron desobedecer órdenes y exponerse a ser juzgados en un consejo de guerra como le había ocurrido a varios soldados franceses unos meses antes (Senderos de gloria).

El reloj fue devuelto junto con todas sus pertenencias a su primer propietario, el coronel Ludlow (Anthony Hopkins), que vivía sus últimos años en su rancho de Montana. Este buen hombre se había hecho conocido en la zona por su defensa a ultranza de los indios y fue uno de los artífices de que en 1914 se aprobara el Acta de Ciudadanía que confería a los nativos americanos los mismos derechos que al resto de la población, entre ellos el derecho a alistarse y a morir en el ejército (hasta 10.000 sioux americanos fallecieron en la Primera Guerra Mundial). El coronel conocía de primera mano a los sioux gracias a su buen amigo John Dunbar (Kevin Costner en Bailando con lobos), quien se integró plenamente en la tribu india y formó familia con Erguida con el puño en alto. 

Para su desgracia, los tres hijos del coronel se enamoraron de la misma mujer (Julia Ormond). El pequeño falleció en el frente, el mayor se casó con ella y el mediano, Tristan, abandonó la región y se pasó varios años recorriendo el mundo en un barco mercante en el que trató de olvidarla mientras se entregaba al alcohol, el juego y las mujeres. En una de esas timbas fue donde perdió el reloj con el inglés Geoffrey.  

La situación con Charlie

Frank era poco más que un crío cuando se alistó en el ejército norteamericano y participó en la Segunda Guerra Mundial. Hizo carrera en el ejército y fue subiendo en el escalafón hasta alcanzar el grado de teniente coronel. Participó en la guerra de Vietnam, pero una explosión le dejó ciego y la ceguera le volvió un tipo huraño, amargado y alcoholizado. Frank Slade (Al Pacino en Esencia de mujer) decide pasar unos días en Nueva York antes de suicidarse. Conoce a Charlie Simms (Chris O’Donnell), un joven estudiante de familia humilde que ansía entrar en Harvard, y la amistad que se forja entre ambos hace que cambien totalmente sus perspectivas ante la vida y las dificultades.

Los consejos de Frank acerca de la vida harán que Charlie termine trabajando para el despacho de abogados de Joseph Miller, un prestigioso abogado (Denzel Washington en Philadelphia) especializado en causas perdidas como la de ese americano atrapado en Turquía quince años atrás en un caso de contrabando de drogas (El expreso de medianoche) o en el de un abogado contagiado de SIDA que litigó contra el todopoderoso bufete que le despidió por su enfermedad (Philadelphia).

Garrett y la esposa de David

Giosué Orefice perdió a sus padres muy pronto, a Guido en el campo de concentración, y a su madre al acabar la guerra, así que como tantos otros italianos emprendió el sueño americano. Se pasó varios años trabajando de camarero en Little Italy y estudiando duramente por las noches. Con el título de ingeniería aeroespacial bajo el brazo, logró entrar en la NASA a principios de los setenta, donde conoció a Garrett (Jack Nicholson en La fuerza del cariño), uno de los afortunados astronautas que participó en misiones espaciales a mediados de esa década.

El ex astronauta Garrett se muda a Nebraska y mantiene una relación con Aurora (Shirley MacLaine), la cual está muy volcada en la enfermedad de su hija Emma (Debra Winger). Cuando finaliza la relación de Garrett con Aurora, este se traslada a Nueva York para comenzar una nueva vida. Incluso se cambia de nombre (Melvin Udal será el nuevo) y se convierte en un maniático escritor repleto de trastornos obsesivos (Mejor… imposible). A estas alturas puede que el lector piense que esta continuidad está cogida con pinzas, pero no me negarán el parecido, ¿verdad?

Un buen día llaman a la puerta de Melvin. Son dos detectives, David Mills y William Somerset (Brad Pitt y Morgan Freeman en Se7en). Están en plena investigación de un caso sobre un tipo que vive en la misma planta. Han llegado a Melvin siguiendo los consejos de un tal Hannibal Lecter (El silencio de los corderos, descendiente del coronel Ludlow, sin duda), recluido en la prisión de máxima seguridad de la cercana ciudad de Baltimore: «codiciamos lo que vemos». Por lo visto, el doctor Lecter siempre da los mismos consejos a los investigadores.

Melvin les contesta que no conoce de nada al tipo del piso del fondo, que no sale mucho de casa, y que solo conoce al vecino de al lado, un artista gay cuyo agente (Cuba Gooding Jr.) va contando por ahí que era un jugador de fútbol americano con mala suerte en la NFL por culpa de su agente, un tal Jerry Maguire, que iba tan por libre que le dejó libre… de equipos.

Antes de que los detectives se vayan, y seguramente con el recuerdo de su relación frustrada con Aurora, Melvin espeta a los agentes:

– Cuiden a sus mujeres antes de que pierdan la cabeza.

William es soltero, pero David le mira mosqueado.

Epílogo: Robert, Richard, Louise y «El Lobo»

El tercero de los soldados, Robert Johnson, se casó con una italiana, Francesca (Meryl Streep en Los puentes de Madison) antes de volver a los Estados Unidos. Aunque Robert nunca lo supo, Francesca tuvo una aventura en 1965 con un fotógrafo del National Geographic llamado Robert Kincaid (Clint Eastwood). Los hijos de Francesca descubren años después el diario de su madre en el que cuenta el romance con el intrépido aventurero y deciden comenzar su búsqueda para contarle que su madre acaba de fallecer. Dejan el pequeño pueblo de Iowa y tras varias pesquisas por Oklahoma y Arkansas, le encuentran finalmente en Arizona. Vive retirado, pero les cuenta que volvió a la actividad una semana antes tras ver a cuarenta coches de policía pasando cerca de su rancho mientras perseguían a dos mujeres a bordo de un descapotable (Thelma y Louise).

Robert les cuenta que tuvo la suerte de captar una instantánea casi inverosímil: la del preciso momento en que las dos mujeres se suicidaron arrojándose al vacío del Gran Cañón. «Una hermosa locura», sentencia lacónico.

El oficial de policía que intenta frenar a las mujeres en su huida desesperada, Hal Slocombe (Harvey Keitel), dejará el cuerpo de policía tras su fracaso. Se lamenta por no haber sido capaz de parar esa tragedia: «fui el único que intentó ayudarlas». A partir de ahí, dedicará el resto de su vida a ayudar a todo aquel que se lo pida. Ahora se hace llamar Mr. Wolf o Señor Lobo, y vive en Los Ángeles.

THE (fucking and crazy) END

Una locura, ¿verdad? Me apetecía escribirla, pero sobre todo me apetecía hacer alguna mención a Clint Eastwood, quien hoy cumple la friolera de 90 años. Me venía bien hablar de todas estas películas para destacar el hecho de que el bueno de Clint ha realizado grandes obras en todos los géneros: wéstern (Sin perdón, El jinete pálido), bélico (Cartas desde Iwo Jima, Banderas de nuestros padres), con el deporte como excusa (Million dollar baby, Invictus), de investigación (Ejecución inminente, Poder absoluto), musicales (Bird, The Jersey Boys), de amistades que nacen o se quiebran (Mystic River, Gran Torino), semi-documentales (Sully, Richard Jewell, 15:17 Tren a París),… de todo y (casi) todo bueno. Y El sargento de hierro, El intercambio, El francotirador,… Abrumador.

Happy birthday, Mr. Clint Eastwood! Por muchos años.

No es que todos los años por estas fechas vea Ben-Hur del primer minuto al último, pero no hay año que no vea al menos un buen rato de la mítica película de William Wyler. Son 212 minutos de duración, más de tres horas y media, así que se puede escoger fácilmente tu «ratito» de 90 minutos, tu película convencional dentro de esta película de dimensiones colosales. Algo así es lo que me viene pasando los últimos años en Semana Santa, que me apoltrono en el sofá y disfruto un rato laaaaargo del peliculón, aunque desde hace años nunca la veo completa por desgracia porque resulta casi imposible disponer de tanto tiempo después de comer. Y digo esto porque Ben-Hur es una película para ver después de comer, como cuando la vi por primera vez en el cine, con trece o catorce años, cuando teníamos la suerte de que los cines emitieran películas clásicas (así vi también Lawrence de Arabia, por ejemplo, otras casi cuatro horas).

Ben-Hur es tan enorme desde el punto de vista de duración como de calidad y puedes elegir tu historia o tu episodio favorito (si esto fuera una serie) dentro de todo el metraje:

• La primera parte, cuando cuentan la llegada de los romanos a Judea en tiempos de Jesucristo, aproximadamente el año 30 d.C. Nos muestra la antigua amistad entre el romano Mesala, ahora hombre fuerte del ejército romano, y Judá Ben-Hur, un rico comerciante judío. Un accidente fortuito provocado por Tirzah, hermana de Ben-Hur, provoca la caída en desgracia de toda la familia. Judá es enviado a galeras y su madre y su hermana a unas infectas mazmorras. Durante el trayecto de Ben-Hur como prisionero para cumplir su pena en galeras, tiene un encuentro fugaz con Jesús de Nazaret, un encuentro que tendrá su importancia más adelante.

• La parte central, impresionante, con todas las escenas de las galeras, la admiración de Quinto Arrio por ese esclavo judío con un físico descomunal y una capacidad de supervivencia sin igual. El combate con los macedonios, que acaba con las galeras romanas hundidas, y el rescate de Ben-Hur y Quinto Arrio, que lo acoge como hijo adoptivo y se lo lleva a Roma. Pero Ben-Hur no aguanta mucho en Roma porque necesita encontrar a su madre y su hermana. Conoce a unos árabes que se dedican a las carreras de caballos y a las apuestas, y decide quedarse con ellos para entrenar y competir en las carreras de cuadrigas, donde también participa Mesala.

• La última parte, desde las carreras de cuadrigas (la parte que veo inexcusablemente casi todos los años) hasta el final. La muerte de Mesala, que no desperdicia su último aliento para infligirle más dolor al que fuera su amigo. El calvario de Jesucristo camino de la crucifixión, la ayuda que Ben-Hur trata de prestarle y devolverle, y la búsqueda de su madre y su hermana en el Valle de los Leprosos.

Cuando acaba la película (si encuentras el hueco para verla del tirón), tienes un cansancio físico similar al del protagonista tras haber sufrido todas esas penurias. Pero también la satisfacción que supone haber disfrutado una gran película.

Esta historia de un judío contemporáneo de Jesucristo fue escrita por Lew Wallace en 1880 y fue el libro más vendido en Estados Unidos hasta la publicación de Lo que el viento se llevó, de Margaret Mitchell, en 1936. La novela tuvo una primera adaptación en 1925, dirigida por Fred Niblo y con el actor mexicano Ramón Novarro interpretando a Ben-Hur. Se puede ver de modo legal en el siguiente enlace:

Enlace a Ben-Hur, de Fred Niblo

Está bastante bien, aunque este Mesala está muy sobreactuado, por aquellas cosas que tenía el cine mudo con la ausencia de diálogos. La escena de la carrera de cuadrigas es una maravilla, rodada en aquellos años en que los medios no eran los de los cincuenta, ni mucho menos la digitalización actual. Durante esa escena falleció uno de los extras tras un atropello, aunque dicha muerte se ha atribuido erróneamente a la película de Wyler.

Me quedo sin dudarlo con la versión de 1959. El rodaje se prolongó de mayo de 1958 a enero de 1959, tras cinco años de preparaciones, construcciones de decorados y preproducción. Hasta 300 decorados se construyeron, la mayoría en los estudios Cinecittá de Roma, incluyendo el decorado más grande jamás realizado hasta la fecha, el estadio romano en el que se celebra la espectacular carrera. 15.000 extras cuyo único requisito era tener barba. En total fueron 15 millones de dólares de presupuesto y otros 15 para la promoción que dejaron a la Metro Goldwyn Mayer tan tiesa que necesitaba que fuera un gran éxito para no acabar en bancarrota. Y lo consiguió, 147 millones de dólares en pocas semanas, una cifra solo superada… otra vez por Lo que el viento se llevó. Gran éxito de público, pero también de crítica. Acaparó numerosos premios, entre ellos los once Óscar que siguen convirtiendo a Ben-Hur en la película con más galardones de la historia, empatada muchos años después por Titanic (1997) y El retorno del Rey (2003).

William Wyler no mostró mucho interés por el proyecto cuando se lo presentaron, entre otras cosas porque ya había trabajado como ayudante de dirección en la versión de 1925 de Fred Niblo. Decidió hacerse cargo del mismo por volver a Roma, donde había rodado Vacaciones en Roma con Gregory Peck y Audrey Hepburn, y como respuesta a su gran rival de entonces, Cecil B. De Mille, que había rodado Los diez mandamientos en 1956, otra de esas cintas que nunca faltan en la programación de Semana Santa.

En cuanto al reparto, resulta curioso ver cómo para diferenciar los acentos de romanos y judíos se escogieron actores británicos para interpretar a los primeros (Stephen Boyd, Jack Hawkins, Frank Thring) y norteamericanos para los segundos (Charlton Heston, Sam Jaffe, Martha Scott, Cathy O’Donnell). Charlton Heston no fue la primera elección para el papel principal, sino que llegó al mismo tras el rechazo de varios de los principales actores de Hollywood. Marlon Brando no quería volver a las películas de romanos tras haber hecho Julio César. Kirk Douglas sí mostró interés por el papel, pero para su sorpresa le ofrecieron hacer de Mesala, no de Ben-Hur, razón por la que descartó su participación. A Burt Lancaster no le gustó el guion que le ofrecieron y a Rock Hudson no le dejó participar la productora Universal, con la que tenía contrato. Así que finalmente el papel cayó en manos de Charlton Heston y a día de hoy no nos imaginamos a otro actor para el protagonista.

En cuanto al guion, los títulos de crédito se lo atribuyen a Karl Thunberg, pero a lo largo de sus múltiples versiones pasó por varias manos, como las de Maxwell Anderson y S.N. Behrman, pero la mayoría de diálogos fueron reescritos por el escritor estadounidense Gore Vidal. El propio Vidal se encargó de contar en el documental El celuloide oculto (1995) que fue suya la idea de añadir una subtrama homosexual entre los personajes de Mesala y Ben-Hur, subtrama de la que ya hablé en su día (El celuloide oculto en el armario) y que no encuentro que aporte nada de interés a la historia. Aparte de que la veo tan subliminal como Charlton Heston, que ni se enteró durante el rodaje de que los compinchados Wyler, Vidal y Stephen Mesala Boyd estaban jugando a este juego.

Una película tan épica solo podía contar con una banda sonora a la altura. De su composición se encargó el húngaro Miklos Rózsa, que ya había participado, entre muchas otras, en películas como El ladrón de Bagdad, Perdición, La jungla de asfalto, Julio César y Los caballeros del Rey Arturo. La banda sonora acompaña a la perfección a la trama. Habrá quien la recuerde ampulosa o la considere demasiado enfática, como muy de «peli de romanos», ¿pero acaso cabía otra posibilidad? Tras Ben-Hur, Rózsa mantendría su estilo en películas de similares tintes épicos como Sodoma y Gomorra, El Cid y Rey de Reyes, otro imprescindible de esta época del año.

Hoy es viernes santo, igual me animo a mi sesión anual de Ben-Hur, esta vez completa a ser posible. ¿Es mi película favorita de la Semana Santa? Pues la respuesta es no, es una gran película, pero ocupa el segundo puesto en mi pódium. El primero es para Espartaco (Stanley Kubrick, 1960), que aunque no sea una historia religiosa siempre la emiten en esta época y al igual que con Ben-Hur, la disfruto durante un largo rato. ¿En qué puesto pongo a La vida de Brian? Quizás sea la peli más divertida e irreverente de la historia, pero, ¿entra en esta categoría?

Extra – Curiosidades

• La primera galera que se construyó para el rodaje fue encargada a un experto en ingeniería romana. La galera se hundió según la botaron. Para la película tuvieron que ser menos fieles a los diseños originales, pero más ajustados a la flotabilidad.

• En 2016 se rodó una nueva versión de Ben-Hur, dirigida por el cineasta ruso Timur Bekmambetov. No he tenido ningún interés en verla, del mismo modo que no lo tendría por un remake de El Padrino o de Indiana Jones, por ejemplo. Me han dicho que no está mal, pero, ¿de verdad necesito saberlo?

• La carrera de cuadrigas necesitó cinco semanas de rodaje a lo largo de tres meses, y los actores principales son realmente los que protagonizan la acción. Un especialista estuvo a punto de morir en el momento en que su cuadriga da un salto por encima de otra, un momento espectacular que se dejó en la película.

• ¿Recordáis Una furgoneta del siglo XIII? Un post sobre «cosas que no deberían estar allí». Pues tendría que añadir que dos de los caballos árabes de Ben-Hur se llaman Al-Tair y Al-Deberan, estrellas que fueron descubiertas ocho siglos más tarde.

• El león de la Metro no rugió por primera vez en su historia al inicio de la película por petición expresa de William Wyler, al que el rugido no le parecía adecuado para el comienzo del filme.

Pizza, cerveza, pantalla gigante, buen sonido. Comienza Ben-Hur.